Teatrul se lasă și el cuprins de mode.




Apare la orizont un dramaturg, e pus în scenă de un anumit regizor, spectacolul are succes și, automat, textul (textele) dramaturgului este (sunt) preluat(e) și montat(e) obsesiv pe scenele teatrelor.




Apare la orizont monodrama. Un actor, un dramaturg și un regizor se întâlnesc. Le iese bine întâlnirea. Veștile bune circulă repede și un-doi bulgărele de zăpadă se tot învârte și monodramele apar în mai toate spațiile.




În Dictionarul său de teatru, Patrice Pavis menționeză, în dreptul monodramei, că e “o piesă cu un singur personaj sau cel puțin e actorul singur care își asumă mai multe roluri. Piesa e centrată în jurul unei singure persoane și îi explorează motivațiile, subiectivitatea și lirismul pe cel mai interior nivel”. Scrutând istoria observăm că la sfârșitul secolului XVIII și la începutul secolului XX erau în mare vogă piesele cu un singur personaj. În 1909, Evreinof stabilește pedigree-ul acestei forme de manifestare dramatică, subliniind că monodrama e “un tip de reprezentare teatrală în care lumea care înconjoară personajul apare exact așa cum acesta o percepe în fiecare moment al existenței sale scenice” (Patrice Pavis, Dictionar de teatru, p. 218). În The Columbia Ecyclopedia of Modern Drama se menționează că în sec XX și începutul secolului XXI, monodrama e marcă a conceptelor teatrale de avangardă. Teun Adrianus van Dijk (în Discourse and Communication) sublinează caracterul de manipulare pe care îl deține monodrama. Aducându-ne pașii mult mai aproape de peisajul autohton, descoperim în arhiva Observatorului cultural, interesanta dezbatere (Dialog despre monolog si forma lui extrema, monodrama) pe marginea monodramei, dezbatere susținută de Andrea Tompa și Alina Nelega.




Punând în același sertar informațiile primite putem trasa o schiță a regulilor de aplicat atunci când vine vorba de monodramă. Avem în primul rând un personaj (sau hiper personaj cum îl numește Alina Nelega) și publicul. Avem o adresare directă, avem de-a face cu transformarea (atât la nivelul personajului, cît și la nivelul publicului). Așa cum menționează și Alina Nelega în dezbaterea mai sus amintită, cel mai mare pariu al monodramei e reprezentat de procesul de a face “vizibil” în ochii celui care asistă la spectacol interacțiunea personajului povestitor cu celelalte personaje care lipsesc de pe scenă. Un alt element esențial, menționat de Alina Nelega, se constituie din întrebarea la care trebuie să știe răspunsul actorul de pe scenă: de ce se află pe scenă? Prin urmare, trebuie să existe un CINE, un UNDE și un DE CE. Textul este extrem de important. Trebuie să fie scris, notează Alina Nelega, dintr-o “unică perspectivă”, iar atributul de “artistic” nu e suficient. În plus, în cazul monodramei trupul actorului e cel prin intermediul căruia publicul vede povestea sa.







Inițial examen de semestru al clasei de masterat Regia spectacolului contemporan de la U.A.T., proiectul de a aduce la masa de lucru un dramaturg, un actor și un regizor, se transformă, odată cu prezența în mijlocul programului de la Teatru 74, în spectacolul CONFESIUNI în 3 timpi. Trei dramaturgi, trei actori și trei regizori încearcă să se confeseze pe scena de la 74 în timpii-reguli impuși de manifestrarea dramatică numită monodramă.



Timpii încep cu echipa formată din dramaturgul Alexa Băcanu, actorul Paul Socol și regizorul Laurențiu Blaga. Dexter e prima confesiune. Locul în care se află personajul numărul 1 este clar marcat: cutia maro din lemn – semn al boxei acuzaților – fixează personajul în spațiu. Pe măsură ce cuvintele lui Dexter se adună într-o poveste, datele biografiei lui devin din ce în ce mai clare. Ochii lui Dexter caută, timp de treizecișicinci de minute, sprijin în cei care îl ascultă – publicul. Axa comunicării dintre actor înspre public nu-și pierde punctele de echilibru. Gestul prin care Dexter își fixează ochelarii, vocea stinsă care desenează imaginea mamei prin cuvinte, controlul asupra trupului cu care lucrează – pe toate acestea Paul Socol, supravegheat de regizorului acestui prim timp al confesiunilor – Laurențiu Blaga, le gestionează atent, dozat.



Al doilea timp al confesiunilor este pus în scenă de echipa formată din Oana Hodade care prelucrează o idee a Cristinei Keresztes, alături de actrița Diana Avrămuț și regizorul Cătălin Mîndru. 13 și jumătate nu are un răspuns la două întrebări esențiale: UNDE? și DE CE? Ne rămâne gravată pe fundalul retinei, boxa de culoare maro din primul timp al confesiunilor; timpul și personajul cu număr 2, poartă oare aceleași amprente în ceea ce privește fixarea personajului în spațiu? sau spațiul și personajul nu comportă date clare în dreptul acestei secțiuni? monodrama, prin însăși natura și contrucția ei, înseamnă comunicare. Inventarea unor pleonasme (împărțitul bucăților de ciocolată, întrebări fără răspuns adresate publicului) care să contribuie la surplusul “comunicațional” nu face altceva decât să accentueze golurile și lipsa soluțiilor regizorale sau actoricești și să întindă timpul asemeni unei gume de mestecat.



10. fericiți cei ce nu mai speră a fost conceput de Petronela Ionescu și pus în scenă de actrița Stanca Jabenițan și regizorul Mihai Pintilei. Cu toate că ne aflăm la ultimul timp al confesiunilor, imaginea boxei acuzaților nu dispare din mintea spectatorului, conducând greșit, poate, către un alt spațiu existențial decât cel gândit apriori pentru personajul cu numărul 3. Ceea ce ne impresionează sunt forța și energia actriței, capacitatea prin care reușește să găsească, pe alocuri, codul comun prin intermediul căruia informația să circule de la emițător la receptor; nu dispare, însă senzația de poveste nedusă până la capăt.



Nu pot să uit că inițial cele trei monodrame nu fuseseră concepute să funcționeze în trei timp consecutivi pe aceeași scenă. Nu pot să uit că, indiferent de bilele albe sau bilele negre pe care le-ar putea primi fiecare confesiune, rămân, în fond, exerciții executate în cadrul unor examene de semestru la arta regizorului.

Sursă foto:

TEATRU74

Fișă de spectacol:

CONFESIUNI în trei timpi
spectacol-coupe realizat în parteneriat cu

Universitatea de Artă Teatrală Tîrgu-Mureş

şi

Facultatea de Teatru şi Televiziune Cluj-Napoca

Dexter,

DE Alexa Băcanu

CU Paul Socol

REGIA Laurenţiu Blaga

13 şi jumătate, DE Oana Hodade(după o idee de Cristiana Keresztes)

CU Diana Avrămuţ

REGIA Cătălin Mîndru

10. fericiţi cei ce nu mai speră,

DE Petronela Ionescu

CU Stanca Jabeniţan

REGIA Mihai Pintilei





(Editura Humanitas, 2008, Traducere din enlgeză de Rodica Tiniș)


Cartea lui George SteinerMoartea tragediei, apărută pentru prima dată în 1961, tradusă în limba română abia în anul 2008, este un minunat eseu, care le vorbește, nu doar specialiștilor în teatru (teatrologilor, actorilor, regizorilor), ci și celor care se simt îndrăgostiți de acest fenomen cultural – teatrul.


Moartea tragediei, poate fi citită la și la nivelul de eseu-istorie-document, cu aplicație asupra formei dramatice serioase, tragedia. Cititorul se află în fața unei cortine care, odată ridicată, îi deschide multiple pânze colorate pe care stau zugrăvite antichitatea greacă, teatrul englez renascentist, clasicismul francez, romantismul, realismul și, în cele din urmă, paleta multiplă de “isme” ale secolului XX.


Moartea tragediei poate fi citită și pe un nivelul în care stă așezată dorința celor care au urmat civilizației grecești de recuperare, recreere a unui fenomen teatral ce pare de neegalat – tragedia absolută, cum o numește Steiner, adică tragedia marcă a antichității grecești; chinurile, sforțările, mai puțin reușitele celor închistați în lumea raționalismului critic generator de poetici și dornici de ivire, din spatele programelor-poetici, a unei forme perfecte care să rivalizeze cu trecutul – antichitatea elină.


Moartea tragediei, în ciuda titlului imperativ, închis în afirmația de pe copertă, lasă deschisă problematica morții formei dramatice adusă în discuție; poți opta pentru susținerea sintagmei ce stă “cap de afiș”, poți să te așezi de partea celor care socotesc că tragedia nu a fost îngropată de sfârșitul unei civilizații, ci doar și-a modificat și revizuit felul ei de a ființa în lumea teatrului; sau ... poți să speri că cineva, undeva, cândva îi va da o “nouă viață și un nou viitor”.


În prefața ediției Galaxy Book, Steiner își privește critic teza de doctorat, inițial respinsă de Oxford, sublinează punctele care ar fi trebuit accentuate, dar mai ales face o remarcă interesantă legată de criticile apărută după publicarea acesteia; dintre toți care au dezvăluit lipsurile acesteia, îl preferă pe acela care spunea că un titlu atât de frumos a fost irosit pentru o operă ca aceasta. Rămâne ca cel care citește cartea lui Steiner să confirme sau să infirme această declarație critică.



*aceasta nu este o cronică de spectacol, e împărtășirea unei senzații

„Viaţa reprezintă o constantă ţinere de minte, cu excepţia prezentului care trece pe lângă tine într-un timp atât de scurt încât nu-ţi lasă răgazul să-l fixezi.” (Tennesse Williams).

Piesa de teatru construită după tiparul piesă-memorie (în viziunea lui Tennesse Williams): pasul întâi - personajul trăieşte o experienţă care îl marchează profund; pasul doi - experienţa trăită duce la o suspendare a timpului; pasul trei – personajul este nevoit să-şi retrăiască experienţa semnificativă până când îi poate percepe sensul.
După acest pattern şi-a construit Tennesse Williams teatrul său.
Personajele lui Williams sunt indivizi scoşi din fundalul pe care se proiectează contextul social, reducându-se la caracteristici precum cruzimea, brutalitatea, deasupra cărora primează biologicul, instinctualul, în detrimentul spiritualului.

În luna ianuarie a anului 2009 a avut loc pe scena Teatrului Naţional „Radu Stanca” din Sibiu, premiera spectacolului „Auto-Da-Fé”, regia Theodor Cristian Popescu, scenografia Andu Dumitrescu, coregrafia Florin Fieroiu, muzica Vlaicu Golcea, spectacolul având la bază trei piese scurte ale dramaturgului american Tennesse Williams: „Auto-Da-Fé”, „Păzeşte scara asta” şi „Vorbeşte-mi ca ploaia şi lasă-mă să te ascult”.
Senzaţie A): te găseşti aşezat în faţa unui ecran de televizor, mâna apasă pe butoanele telecomenzii, iar în faţa ta se „varsă” trei filme diferite: protagonişti care, aparent, aparţin mai multor existenţe, chipuri distincte, spaţii fără vreo urmă de tangenţă – toate au însă un singur numitor comun: vorbesc despre frustrări şi impotenţe, despre revolta omului mic; o experienţă deloc semnificativă la nivel macro face ca timpul să se suspende, iar rătăciţii care „nu au reuşit să devină centrul existenţei altcuiva” (Theodor Cristian Popescu) încearcă să-şi restabilească echilibrul funcţional.


Planul I. Primul zapping. Terasa unei case din New Orleans: mama şi fiul – trăiesc autopedepsirea şi vina rezultate la întâlnirea cu sexualitatea. Violenţa e subordonată stării de tristeţe care musteşte în ei.



Planul II. Mâna schimbă canalul. Terasa e demolată. Îi ia locul un cinematograf învechit, cinematograf în care un ușier își trăiește criza celor 28 de ani în mijlocul tinerilor care-și satisfac poftele în spațiul călcat în picioare de timp.




Planul III. Ultimul zapping. Laboratorul intern al iubirii unui el și-o ea. O gură imensă se cască în tavan, iar ploaia vorbește în același timp cu monoloagele surde ale celor doi.




Senzație B): te găsești așezat în scaunul tău de spectator și întregul decor creat de scenograf se varsă peste tine; urmărești atent și te cuprinde o senzație de claustrofobie atunci când trăiești în Planul I; poți respira și te aerisești când observi atent intrarea cinematografului din Planul II; ți-e poftă de-o ploaie plină de iubire și poezie atunci când el și ea, din Planul III, își expun povestea.

P.S. Decorul spectaculos depășește, la nivel senzorial, restul componentelor care alcătuiesc spectacolul, lăsându-te la final cu un surplus de imagini care vor face multă vreme zapping în minte. Doar decorul îți vorbește ca ploaia, restul ... te face să uiți ce-ai ascultat.

Notă:
Sursa foto:
liternet.ro
Fișă de spectacol:

Auto-da-fé
Data premierei 24 ianuarie 2009
de Tennessee Williams
Traducerea: Ioana Ieronim
Scenografia, Light Design & Video: Andu Dumitrescu
Coregrafia: Florin Fieroiu
Muzica & Sound Design: Vlaicu Golcea
Asistent Scenografie: Cristina Ilioiu
Distribuția:
Dana Taloş, Cătălin Pătru, Adrian Matioc, Vlad Robaş, Anca Pitaru, Mihai Alexandru, Simina Contraş, Viorel Raţă, Dana Maria Lăzărescu, Cătălin Grigoraş,Ofelia Popii, Florin Coşuleţ