închis într-o cutie a cărei menire este aceea de a te transporta din punctul A în punctul B,un zâmbet ți se așează pe buze când corpul se lasă așezat în scaunul de lângă geam. și toate, derulate pe repede înainte, se mișcă înaintea ochilor: ceața densă descoperă siluete mai mult sau mai puțin grăbite, copacii, al căror maro e mult mai pregnant în acest tablou de iarnă ce stă să vină, sunt singurele elemente imobile, iar sensul absurdului existenței se învîrte printre sinapse și încearcă să stabilească relaționări logice. și parcă totul e mânuit. doar că nu vezi sforile. și dacă nu le poți percepe, începi să te îndoiești de existența lor. și totuși, timpul – măsură omenească de raportare, se aglomerează și conștientizarea finitudinii se amplifică. din noul sensul lipsei de sens. cutia a cărei menire este aceea de a te transporta din punctul A în punctul B, pare o cutie minusculă, care se închide într-o cutie puțin mai mare, iar cutia puțin mai mare se poate vârî într-o cutie imensă. relaționările logice generate de sinapse se aglutinează în comunicări, comunicările apar și ele pline de clișee și stereotipuri. tragedia limbajului și absurdul existențial.



“unul dintre motivele pentru care CÂNTĂREAȚA CHEALĂ a fost intitulată așa este că nici o cîntăreață, cheală sau pletoasă, nu-și face apariția” – afirma Eugen Ionescu, în cadrul începutului unei discuții rostite la Institutele Franceze din Italia, 1958 – extras din caietul de sală al spectacolului. Tot din caietul de sală, aflăm că piesa scrisă de Ionescu și pusă în scenă la Théâtre de la Huchette, a avut, “în cinzeci de ani, peste 16.000 de reprezentații, mai mult de 1.500.000 de spectatori, a asigurat activitatea la peste o sută de actori”. În România anului 2009, Tompa Gábor este cel care primește drepturile de autor pentru punerea în scenă, la Teatrul Național Lucian Blaga din Cluj, a textului ionescian (fapt sucit și răsucit pe toate părțile de media cu ai săi diverşi comentatori, transformat, pe alocuri, în bătălie pentru mândria națională). Şi rezultatul, spectacolul naţionalului clujean, nu face decât să confirme capacitatea de descifrare, dar mai ales, incredibila putere de a citi, cât mai aproape de sensul lumii ionesciene, a lui Tompa Gábor. Fascinaţia vis-a-vis de autori ca Ionescu sau Beckett a regizorului, îmi opreşte pentru o clipă traseul liniar al gândirii, formând o buclă şi întorcându-mă în trecut, când priveam absolut uluită Aşteptându-l pe Godot, şi orice dicţionar a cărui menire ar fi fost aceea de a-mi traduce cuvinte din maghiară în română, ar fi fost complet inutil, căci Tompa Gábor foloseşte un limbaj universal.




O bibliotecă cu 35 de rafturi. O bibliotecă în care stau aşezate 105 păpuşi, zâmbitoare, colorate, frumos îmbrăcate, parcă tocmai scoase din cutie. Cadrul alb al bibliotecii e frumos îmbrăcat cu volane de material crem. Proprietarul cutiei cu iluzii, îmbrăcat impecabil în frac şi cu joben pe cap, ridică bagheta, iar faţada bibliotecii se ridică uşor-uşor, descoperind un interior alb de cutiuţă ...muzicală în care









Arlechinul supraveghează una dintre păpuşi – Domnul Smith, care stă frumos aşezată pe un scaun citind The Times, iar dintr-o cutie mai mică, răsare, parcă împinsă în afară de un resort, o altă păpuşă- Doamna Smith, cu faţa parcă de porţelan; am senzaţia că cineva, tocmai înainte de a o elibera, învârtise o cheiţă magică, iar ea ne enumeră mecanic elementele constituente ale cinei din seara aceasta.



Menajera, Mary, în costum milităresc, îşi face apariţia, deschizând uşa şi pregătind cadrul pentru vizita domnului şi doamnei Martin.







Doar că domnul şi doamna Martin nu sunt cine se cred a fi, iar aceeaşi Mary, de data aceasta, în hainele lui Sherlock Holmes, imortalizând pe peliculă confuzia, nu ajută defel la dezlegarea enigmei.


Pregătiţi pentru vizită, în haine de gală – de fapt, schimbându-şi costumele între ei, domnul Smith în rochia galbenă de poveste şi doamna Smith în pataloni gri, îşi primesc musafirii. Ceasul fără limbi, ce stă cuminte aşezat pe peretele din faţă, dezvăluie propria sa curgere a timpului şi aduce clişee-discuţii şi stereotipuri amicale. Iar atunci când soneria se aude și la ușă (ușă rotativă, fabricată din sticlă) se presupune că așeaptă cineva, chiar dacă nu e neapărat să fie cineva atunci când se sună la ușă, Pompierul cu casca şi faţa lui aurie, parcă tocmai coborât de pe un soclu, îşi începe socializarea anecdotică.





Mary, de data aceasta sub forma unei servitoare îmbrăcată într-o rochie roz în care sânii se ascund apetisant, e prinsă de focul poeziei.






Măștile din finalul piesei stau portocaliu așezate pe chipurile păpușilor, iar aglomerarea de litere, cuvinte, onomatopee, rostite de vocile ce stau acoperite de măști, “trădează” în fond comedia lui Ionescu, dezvăluindu-i, din spatele acelorași măști, zâmbetul tragic. Iar pentru ca “trădarea” să fie completă, finalul Cântăreței lui Tompa desenează traseul în sens invers al întregilor mișcări executate de cele șase păpuși; la capătul reluării îți zâmbește același start al spectacolului. Sunetul ascuns în cutiuța muzicală e tot mai puternic, iar Proprietarul cutiei cu iluzii își face din nou simțită prezența. Folosind aceeași baghetă magică, are puterea de a închide iluziile comprimate într-o ora și jumătate de spectacol, iar ochiului îi apare în raza vizuală aceeași bibliotecă în care stau așezate cuminți și frumoase, în 35 de rafturi, 105 păpuși.


Cântăreața Cheală - precizie, acuratețe, poezie matematică, în care actorii sunt nevoiți să nu pluseze, să nu omită. Iar tehnica, expresivitatea corporală, expresivitatea facială, mișcările sincron și matematic așezate ticăie pe ritmurile muzicii interioare a spectacolului. Totul se desfășoară în secunda în care a fost programat să se desfășoare.

Nimic nu e mai plăcut decât un spectacol în care regizorul complotează cu scenograful și actorii pentru a-ți servi o cutiuță cu iluzii, pe care, oricând o poți deschide, și din care răsare senzația unui act teatral implecabil, a cărui valoare certă nu poate fi discutată.


Notă
Sursă foto:


Fișă de spectacol:
CÎNTĂREAŢA CHEALĂ
de Eugène Ionesco
traducere de Vlad Russo şi Vlad Zografi
un spectacol de: Gábor Tompa
scenografia: Judit Dobre-Kóthay

Distribuţia:
Domnul Smith Cătălin Herlo
Doamna Smith Elena Ivanca
Domnul Martin Adrian Cucu
Doamna Martin Angelica Nicoară
Mary, menajeră Irina Wintze
Căpitanul de Pompieri Ionuţ Caras
Arlechinul Silvius Iorga
Proprietarul cutiei cu iluzii Paul Basarab, Petre Băcioiu


regia tehnică: Estera Biro
lumini: Jenel Moldovan, Dorel Şimon, Alexandru Corpodean
sunet: Marius Rusu, Vasile Crăciun
sufleur: Crina Onaca





Realul – subiect pentru o mare povestire teatrală.





Conflictul (interetnic, în acest caz) născut în real, dureros și plin de tăceri, își prelinge tentaculele înspre scena contemporană românească, iar sondarea, anchetarea și intervievarea poveștilor și miturilor urbane locale se concretizează în scenariu teatral, în „cele mai interesante teme, poveşti, personaje” (cum declară regizorul Gianina Cărbunariu într-un interviu din ArtActmagazine ), iar rezultanta este spectacolul Studioului Yorick, 20/20.





„În medicina oftamologică 20/20 definește acuitatea vizuală normală” (extras din caietul program al spectacolului). 20 de ani trecuți de la evenimentele din 20 martie, cunoscute atât la nivel personal sau internațional, cât și la nivel media, sub numele de martie negru. Se presupune că timpul scurs și fracționat, sub forma 20/20, aduce cu el detașare, obiectivitate, dar mai ales puterea de a comunica necenzurat despre subiectul în cauză. Vom afla, abia la sfârșitul celor 2 ore și 15 minute de spectacol că lucrurile nu stau chiar așa.





Regizorul Gianina Cărbunariu adună în jurul acestui proiect 5 actori de naționalitate română (Virgil Aioanei, Carmen Florescu, Mădălina Ghițescu, Rolando Matsangos, Cristina Toma) și cinci actori de naționalitate maghiară (Bányai Kelemen Barna, Berekméri Katalin, Korpos Andras, Sebestyén Aba, Tompa Klára), în spațiul de la Studioul Yorick și prezintă rezultatul cazului instrumentat sub formă unui spectacol-psihodramă. Atât publicul, cât și actorii sunt așezați în cercul care definește limitele de desfășurare ale psihodramei, „metodã terapeuticã și de consiliere de sine stãtãtoare (...). Bazele teoretice ale psihodramei servesc la explicarea dezvoltãrii indivizilor, a grupurilor și a sistemelor sociale, precum și a tulburãrilor acestora”. Fiecare dintre cei 10 actori, individual sau în grup, relatează, sub formă de povești – adeseori excesiv teatralizate sau având caracter ilustrativ-demonstrativ, evenimentele acelui martie negru sau contextul imediat următor cu influențele sale; din aceste povești nu lipsește frica de a vorbi liber, nu lipsesc lentilele occidentale prin care sunt observate evenimentele, nu lipsesc extrasele din documentele neoficiale, revolta personală vis-a-vis de un eveniment care a influențat așezarea zâmbetului pe chipul unei fete, stângăcelile și rădăcinile scoase la suprafață în momentul „coliziunii” în cadrul celebrării româno-maghiare a unei zile de naștere, istorisirile celor care au luat parte la bătaia din centru, dorința de a învăța limba și de a te integra – la început, verbal, în mediul celui cu care ești în „conflict” - și lista poate continua. Finalul aduce cu el și un ghid de supraviețuire în caz de conflict interetnic – manevră cu puternice accente comice – marcă a detașării și privirii de la o distanță, care nu poate să te rănească, a evenimentului în cauză.





Rezultă un spectacol lung cât o epopee – epopee construită din miturile locale (și epopeile sunt percepute ca fiind interminabile), care nu încearcă să dea răspunsuri, ci aduce în prim plan versiunile existente, pe piața socială a comunității, a conflictului adus în discuție.





Soluția oferită de regizor se traduce în spectacol-psihodramă, iar actoria – atât cât îți permite perimetrul metodei, nu excelează, dar nici nu deranjează excesiv.





Cele 2 ore și 15 minute merită, în fond, și pentru liniștea care plutește ca o ceață asupra spectatorilor și a privirilor 20/20 care se caută în publicul asupra căruia se aude ecoul expunerii: acum, la 20 de ani după, am putea vorbi mai relaxat despre toate acestea. Voi ce ziceți?


Sursă foto:


Fișă de spectacol
20/20
Studio Yorick - Târgu-Mureș
Textul și regia Gianina Cărbunariu
Artist vizual maria Drăghici
Traducător și asistent dramaturgie: Boros Kinga
Actori: Virgil Aioanei, Bányai Kelemen Barna, Berekméri Katalin, Carmen Florescu, Mădălina Ghițescu, Korpos Andras, Rolando Matsangos, Sebestyén Aba, Cristina Toma, Tompa Klára
Finațatorul principal al spectacolului este AFCN





Teatrul se lasă și el cuprins de mode.




Apare la orizont un dramaturg, e pus în scenă de un anumit regizor, spectacolul are succes și, automat, textul (textele) dramaturgului este (sunt) preluat(e) și montat(e) obsesiv pe scenele teatrelor.




Apare la orizont monodrama. Un actor, un dramaturg și un regizor se întâlnesc. Le iese bine întâlnirea. Veștile bune circulă repede și un-doi bulgărele de zăpadă se tot învârte și monodramele apar în mai toate spațiile.




În Dictionarul său de teatru, Patrice Pavis menționeză, în dreptul monodramei, că e “o piesă cu un singur personaj sau cel puțin e actorul singur care își asumă mai multe roluri. Piesa e centrată în jurul unei singure persoane și îi explorează motivațiile, subiectivitatea și lirismul pe cel mai interior nivel”. Scrutând istoria observăm că la sfârșitul secolului XVIII și la începutul secolului XX erau în mare vogă piesele cu un singur personaj. În 1909, Evreinof stabilește pedigree-ul acestei forme de manifestare dramatică, subliniind că monodrama e “un tip de reprezentare teatrală în care lumea care înconjoară personajul apare exact așa cum acesta o percepe în fiecare moment al existenței sale scenice” (Patrice Pavis, Dictionar de teatru, p. 218). În The Columbia Ecyclopedia of Modern Drama se menționează că în sec XX și începutul secolului XXI, monodrama e marcă a conceptelor teatrale de avangardă. Teun Adrianus van Dijk (în Discourse and Communication) sublinează caracterul de manipulare pe care îl deține monodrama. Aducându-ne pașii mult mai aproape de peisajul autohton, descoperim în arhiva Observatorului cultural, interesanta dezbatere (Dialog despre monolog si forma lui extrema, monodrama) pe marginea monodramei, dezbatere susținută de Andrea Tompa și Alina Nelega.




Punând în același sertar informațiile primite putem trasa o schiță a regulilor de aplicat atunci când vine vorba de monodramă. Avem în primul rând un personaj (sau hiper personaj cum îl numește Alina Nelega) și publicul. Avem o adresare directă, avem de-a face cu transformarea (atât la nivelul personajului, cît și la nivelul publicului). Așa cum menționează și Alina Nelega în dezbaterea mai sus amintită, cel mai mare pariu al monodramei e reprezentat de procesul de a face “vizibil” în ochii celui care asistă la spectacol interacțiunea personajului povestitor cu celelalte personaje care lipsesc de pe scenă. Un alt element esențial, menționat de Alina Nelega, se constituie din întrebarea la care trebuie să știe răspunsul actorul de pe scenă: de ce se află pe scenă? Prin urmare, trebuie să existe un CINE, un UNDE și un DE CE. Textul este extrem de important. Trebuie să fie scris, notează Alina Nelega, dintr-o “unică perspectivă”, iar atributul de “artistic” nu e suficient. În plus, în cazul monodramei trupul actorului e cel prin intermediul căruia publicul vede povestea sa.







Inițial examen de semestru al clasei de masterat Regia spectacolului contemporan de la U.A.T., proiectul de a aduce la masa de lucru un dramaturg, un actor și un regizor, se transformă, odată cu prezența în mijlocul programului de la Teatru 74, în spectacolul CONFESIUNI în 3 timpi. Trei dramaturgi, trei actori și trei regizori încearcă să se confeseze pe scena de la 74 în timpii-reguli impuși de manifestrarea dramatică numită monodramă.



Timpii încep cu echipa formată din dramaturgul Alexa Băcanu, actorul Paul Socol și regizorul Laurențiu Blaga. Dexter e prima confesiune. Locul în care se află personajul numărul 1 este clar marcat: cutia maro din lemn – semn al boxei acuzaților – fixează personajul în spațiu. Pe măsură ce cuvintele lui Dexter se adună într-o poveste, datele biografiei lui devin din ce în ce mai clare. Ochii lui Dexter caută, timp de treizecișicinci de minute, sprijin în cei care îl ascultă – publicul. Axa comunicării dintre actor înspre public nu-și pierde punctele de echilibru. Gestul prin care Dexter își fixează ochelarii, vocea stinsă care desenează imaginea mamei prin cuvinte, controlul asupra trupului cu care lucrează – pe toate acestea Paul Socol, supravegheat de regizorului acestui prim timp al confesiunilor – Laurențiu Blaga, le gestionează atent, dozat.



Al doilea timp al confesiunilor este pus în scenă de echipa formată din Oana Hodade care prelucrează o idee a Cristinei Keresztes, alături de actrița Diana Avrămuț și regizorul Cătălin Mîndru. 13 și jumătate nu are un răspuns la două întrebări esențiale: UNDE? și DE CE? Ne rămâne gravată pe fundalul retinei, boxa de culoare maro din primul timp al confesiunilor; timpul și personajul cu număr 2, poartă oare aceleași amprente în ceea ce privește fixarea personajului în spațiu? sau spațiul și personajul nu comportă date clare în dreptul acestei secțiuni? monodrama, prin însăși natura și contrucția ei, înseamnă comunicare. Inventarea unor pleonasme (împărțitul bucăților de ciocolată, întrebări fără răspuns adresate publicului) care să contribuie la surplusul “comunicațional” nu face altceva decât să accentueze golurile și lipsa soluțiilor regizorale sau actoricești și să întindă timpul asemeni unei gume de mestecat.



10. fericiți cei ce nu mai speră a fost conceput de Petronela Ionescu și pus în scenă de actrița Stanca Jabenițan și regizorul Mihai Pintilei. Cu toate că ne aflăm la ultimul timp al confesiunilor, imaginea boxei acuzaților nu dispare din mintea spectatorului, conducând greșit, poate, către un alt spațiu existențial decât cel gândit apriori pentru personajul cu numărul 3. Ceea ce ne impresionează sunt forța și energia actriței, capacitatea prin care reușește să găsească, pe alocuri, codul comun prin intermediul căruia informația să circule de la emițător la receptor; nu dispare, însă senzația de poveste nedusă până la capăt.



Nu pot să uit că inițial cele trei monodrame nu fuseseră concepute să funcționeze în trei timp consecutivi pe aceeași scenă. Nu pot să uit că, indiferent de bilele albe sau bilele negre pe care le-ar putea primi fiecare confesiune, rămân, în fond, exerciții executate în cadrul unor examene de semestru la arta regizorului.

Sursă foto:

TEATRU74

Fișă de spectacol:

CONFESIUNI în trei timpi
spectacol-coupe realizat în parteneriat cu

Universitatea de Artă Teatrală Tîrgu-Mureş

şi

Facultatea de Teatru şi Televiziune Cluj-Napoca

Dexter,

DE Alexa Băcanu

CU Paul Socol

REGIA Laurenţiu Blaga

13 şi jumătate, DE Oana Hodade(după o idee de Cristiana Keresztes)

CU Diana Avrămuţ

REGIA Cătălin Mîndru

10. fericiţi cei ce nu mai speră,

DE Petronela Ionescu

CU Stanca Jabeniţan

REGIA Mihai Pintilei